Leggere è un piacere. Удовольствие от чтения

“Avevo capito che rinunciare a se stessi, non amarsi è come sbagliare a chiudere il primo bottone della camicia. Tutti gli altri poi sono sbagliati di conseguenza. Amarsi è l’unica certezza per riuscire ad amare davvero gli altri.”

― Fabio Volo, È una vita che ti aspetto

Я понял, что не принять себя и не полюбить — это как ошибиться с первой пуговицей рубашки. Все остальные в последствие будут застегнуты неправильно. Лишь через любовь к себе можно полюбить других… Из произведения Паоло Воло «Вот уже целую жизнь я жду тебя» (авторский перевод Болгово О.)

Читаю этого автора с упоением. Люблю его наблюдения. Его книги буквально глотаются и особенно будут полезны для тех, кто учит язык и желает заочно познакомиться с жизнью современных итальянцев, заглянуть в трудовые будни, почувствовать запах крепкого утреннего кофе и узнать, например, что такое «schiacciare un pisolino» и неприменно стать участником незабываемой романтической авантюры…

Modi di dire. Интересные выражения с котом

Buongiorno carissimi! Добрый день, дорогие друзья!

Сегодня я вам расскажу о кошках и как они «наследили» в итальянском языке. Звучит странно? Вовсе нет! Кошки имеют большое значение в жизни людей, уж в моей точно. И этот факт несомненно отражается в языке. Разбираем выражения о кошках. Кстати, некоторые из них совсем неожиданные.

Итак, giocare come il gatto con il topo — ничего неожиданного, играть как кошка с мышкой и значение полностью совпадает с тем, что в русском языке. А сейчас, внимание:

Gatta ci cova! — дословный перевод «кошка высиживает яйца» — странно? И правильно, что странно. Выражение означает, что что-то здесь не так, кроется обман.

Essere una gatta morta — «быть мертвой кошкой» выражение относится к людям, которые за маской невинности прячут хитрость и злыe намерения.

Essere come cane e gatto — быть как кошка с собакой. Это всем известно.

Avere sette vite come un gatto — иметь семь жизней как у кошки

Интересно? Это и много другое на моих занятиях итальянского языка  Whatsapp, Viber +393246128505 Буду рада вас видеть!

Vuoi imparare il russo? Ti aspetto alle mie lezioni di lingua e cultura russa Whatsapp, Viber +393246128505

Пластическая анатомия. Череп. Anatomia artistica. Cranio

Ritorniamo all’anatomia umana

Buongiorno carissimi! Continuo a dimostrare i lavori degli alunni. Questa volta è stato disegnato il cranio umano. A cosa serve disegnare la scatola cranica, mica ci si studia la medicina? La risposta è facile: per rappresentare il corpo umano in modo reale e credibile bisogna sapere la sua struttura non solo esterna ma anche interna. Durante gli studi occorre disegnare non solo ciò che vedo ma anche ciò che so dell’oggetto raffigurato.

Il cranio è formato da due gruppi di ossa: il neurocranio, che racchiude e protegge l’encefalo, e le ossa della faccia, che permettono alla muscolatura facciale di esprimere i nostri sentimenti e masticare il cibo. Tutte le ossa del cranio, ad eccezione della mandibola, che è unita con un’articolazione mobile, sono unite da suture, articolazioni fisse che tengono unite le ossa craniche.

Здравствуйте, дорогие друзья! Я продолжаю показывать работы учеников. На этот раз рисуем человеческий череп. Какая от этого польза, ведь мы не на факультете медицины? Ответ очень прост: чтобы нарисовать человеческое тело реальным, нам нужно знать не только внешнюю структуру, но и внутреннюю. Кроме опоры на собственный глазомер при изображении объекта, также необходимо иметь и рациональный подход. В данном случает знания о строении черепа во многом помогут при создании портрета на плоскости или в трёхмерном пространстве, если речь идёт о скульптуре.

Череп состоит из двух групп костей: мозговой части, которая охватывает и защищает мозг, и костей лица, которые позволяют мышцам лица выражать наши чувства, также пережевывать еду. Все кости черепа, за исключением нижней челюсти, которая соединена подвижным суставом, скреплены швами (неподвижный тип соединения).

Почему синий — цвет Божьей Матери? Il colore blu della Vergine

Madonna Sistina di
Raffaello Sanzio , 1514,
Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden

До XII века синий цвет занимает второстепенное место в цветовой гамме общества в западной Европе. Его роль очень незначительна в произведениях искусства и в быту. Основными цветами остаются красный, белый и чёрный. Но по истечению нескольких десятилетий ситуация меняется. Яркое подтверждение этому находится в изображении одежд Девы Марии. В ранние века в западноевропейских традициях цвет мантии был тёмным: чёрный, серый, фиолетовый, тёмно-зелёный. Идея тёмного цвета была связана с трауром по умершему сыну.

К 1140 синий повсеместно покоряет живописные традиции и приходит в витражное искусство. Зарождается впервые как витражный «синий Сан-Дени», затем с переездом строителей на строительство других архитектурных объектов появляется «синий Шартра»,а затем и «синий Де лё Ман» и т. д. Синий цвет витражей выражает новое божественное отношение к небу и к свету. Появляется множество оттенков. В готический период и в эпоху возрождения синий цвет мантии становится неразрывным атрибутом Девы Марии. Новый стиль в истории искусства, барокко, окрасит её одежды в золото, цвет отражавший божественное свечение. А в 1854 г., с признанием папой Пием IX догмы о непорочном зачатии, традиционным цветом Богоматери становится белый, как символ чистоты и непорочности.

Кстати, в одном из музеев Льежа есть романская деревянная статуэтка Девы Марии, которая первоначально была окрашена в чёрный, затем в XIII веке была перекрашена в синий, в XVII в. сверху появился золотой окрас, а после принятого постулата о непорочности зачатия стала белой. Вот такие цветовые метаморфозы видения произошли за одно тысячелетие.

La mia piccola soddisfazione di oggi

«Снятие с креста», непонятого Понтормо. Маньеризм

Вам нравится эта картина? Я смотрю на неё всегда с большим интересом и вниманием. Перед нами «Снятие с креста» художника Якопа Понтормо. Он учился в мастерской Андреа дель Сарто и стал одним из первых основоположников маньеризма. Слово «маньеризм», как живописный стиль, долгое время имело негативную коннотацию и означало «иммитацию», приписываемую художникам второй половины 16 века, слепо следовавшим стилю Леонардо, Микеланджело и Рафаэля. Понтормо тоже входил в число «осуждаемых». Он был беден и несчастен, характер имел вздорный и несговорчивый. Но несмотря на все эти черты человека, не принятого художественным обществом того времени, его работы пропитаны высоким качеством рисунка и попытками объединить характерную объёмность изображения Микеланджело с тонким переходом от света к тени Леонардо.

Итак, картину «Снятие с креста» Якопо пишет с 1526 по 1528 г. для Капеллы Каппони, ныне Барбадори, во флорентийской церкви Санта Феличита. Сцена в картине лишена натуральности и походит больше на театральную постановку. Фигуры героев преувеличено тонкие и вытянутые, головы уменьшенные. Равновесие в композиции обеспечивают облако слева и фигура юноши в зелёном справа. В статическом равновесии удивительно вот что: воздушная, парящая зелёная драпировка в центре против всех законов логики является опорой для фигуры, держащей ноги Спасителя. В картине есть ещё нечто новое, не характерное для художников того времени: одежда трёх героев (уже упомянутый персонаж в зелёном, женщина под облаком и держатель ног Христа) кажется нарисованной на коже. И самое важное в картине, конечно же, цвета — прозрачные и воздушные, а переходы настолько мягкие, что тени кажутся вымышленными, несуществующими. Принятое за странность Джорджо Вазари в далёком 1520 году, сегодня это отличительная особенность стиля живописи Понтормо, его очарование и неоспоримое знание цветопередачи.

А теперь обратите внимание на цвет одежды Девы Марии. А знаете почему именно синий? Об этом я расскажу в следующей публикации…

Работы учеников. Рисуем маслом. Student’s works

Я очень люблю работать маслом и всячески прививаю эту любовь своим ученикам. Масло — один из самых богатых живописных материалов. Сегодня очень легко брать тюбики с маслеными красками и рисовать где угодно и как угодно. Сам тюбик появился при импрессионистах и первым запатентовал изобретение американский художник Джон Ренд. Этот маленький контейнер произвёл большую революцию в живописи — так стали доступны пленэры. А что же было до тюбика? Красочный пигмент растирали курантом (грушевидное тело с плоским дном) на плите. Оба были каменными — из порфира или гранита. Порошок перемешивали с маслом тем же курантом. Масло использовали льняное или ореховое. Краска должна была иметь правильную консистенцию — не жидкую, чтобы не течь, и не густую, чтобы раньше времени не засохнуть. Пигменты добывали из минеральных соединений и органический красителей, осаждённых на твёрдые минеральные основы. История каждого пигмента очень интересная, но об этом мы с вами поговорим в одной из следующих публикаций.

Concerto for Violin and String Orchestra in D minor Felix Mendelssohn

Это произведение было написано великим композитером Феликсом Мендельсоном в 1823 году в возрасте 13 лет. Мендельсон был гениальным музыкантом по величине таланта соспостовимым с Вольвгангом Амадеусом Моцартом.

Мендельсон написал эту музыку для Эдуарда Рица (Старший брат Юлиуса Рица) дорогого друга и учителя, который позже участвовал как концертмейстер в представлении своего ученика, исполнявшего Страсти по Матфею Иоганна Себастьяна Баха. Виртуозная игра Мендельсона по истине возродила имя Баха на устах общественности. Возрождение же и приход в широкие массы слушателей самого произведения Мендельсона, написанного в юные годы, обязано другому талантливому музыканту Иегуди Менухину. Он увидел манускрипт концерта в 1951 году и, решив выкупить права на музыку у семьи Мендельсона, отправился в Швейцарию. Было сделано некоторое редактирование и 4 февраля 1952 года концерт был впервые прозвучал в Карнеги Холл.

А сегодня я слушала эту прекрасную музыку в русском культурном центре в исполнении молодых музыкантов Кипрского юношеского струнного оркестра, солистом же был первая скрипка Кипрского государственного оркестра Вольвганг Шрёдер. Ребята на славу постарались и полуторачасовой концерт пролетел на одном дыхании.

Мужской бюст из гипса. Работы учеников.

В olgastudio ребята учатся не только живописи, рисунку, истории искусства, но и скульптуре. Работаем с разными материалами, сегодня гипс. Работа в процессе.

Канон Поликлета

Поликлет был одним из представителей пифагорейской школы. Пифагорейцы воспевали числа и видели числовую гармонию во всём. Понятие числа они трактовали как объединение предела и беспредельного. Беспредельное простирается бесконечно и не поддается осмыслению, так как познанное должно отличиться от непознанного и соответственно быть ограниченным. Этот синтез и заключает в себе «число», позволяя отделить предел от беспредельного.

В результате применения числового подхода к строению бытия получается чувственный космос со своей гармонией сфер и с пропорциональным распределением в нём физико-геометрических и музыкально-арифметических соотношений.

В «Каноне» Поликлета раскрылась телесность пифагорейского числа, структурная правильность, его регулятивный характер. Поликлет рассматривает человеческое тело как нечто целое, в отличие от египтян, которые отталкивались от определённой единицы измерения, умножая которую получали размеры разных частей тела. Греки исходили из данных самих частей независимо от того, из какой общей меры, принятой за единицу, эти части получаются. У Поликлета брался рост человеческого тела, затем бралась отдельная часть и вычислялось отношение каждой части.

В Каноне выступали исключительно антропометрические измерения, в отличие от египетского условного подхода. Поликлет оценивал не только органические соотношения в человеческом теле, но и «точку зрения» наблюдателя.

После Поликлета пройдёт много веков, в течение которых его Канон будет забыт, и лишь в новую эпоху восхваления совершенства человеческого тела — эпоху Возрождения, труд древнегреческого скульптора вновь обретёт жизнь в произведениях великих мастеров Леонардо да Винчи, Дюрера, Микеланджело и др. А через триста лет неизменным наследником Канона станет Антонио Канова.

←Older