Париж. Часть 3. Эйфелева башня, Мост Александра III и Малый Дворец

Утро было прохладное и пасмурное, но так было даже лучше, потому что день обещал быть полным впечатлений, прогулок, удивительных открытий в прекрасном Париже.  И несмотря на транспортные карты, по центру мы передвигались исключительно пешком, чтобы не упустить ни кусочка этого волшебного города и частенько наш шагомер переваливал за 17 тысяч. И вот, прогуливаясь по маленьким улочкам, неожиданно мы увидели между высокими зданиями бесценный символ Парижа, который стал неотъемлемой частью французской культуры, Эйфелева башня, она же Tour Eiffel.

Грандиозное строение, полёт инженерной мысли, который волнует сердца миллионов людей более ста лет. И мы не были исключением и, присев на лужайке, наслаждались видом и ели вкуснейшую пиццу. Лёгкий перекус на траве и фотосессии завершились, и мы пошли на набережную Сены. Там сели на пароходик, чуть-чуть перевели дух, и сошли на берег у моста Александра III, самого изящного моста в Париже. Кстати, он был заложен в честь франко-русского союза и по этому поводу в центре мостовых арок расположены нимфа Сены с гербом Франции и нимфа Невы  с гербом императорской России. Мост был построен всего за четыре года императором Николаем II.

Открытие произошло на кануне Всемирной выставке 1900 года. Мост — потрясающе красивый с множеством фигур нимф, пегасов и ангелов. Внимательно рассмотрев оплот франко-русской дружбы, мы перешли на другой берег Сены и были снова сражены изяществом, мощью и красотой представших зданий. Перед нами были Grand Palais и Petit Palais. Оба здания тоже были возведены ко Всемирной выставке 1900 года. Теперь здесь постоянно проводятся перформансы. Мы попали на постоянную экспозицию в Petit Palais. Понравилась богатая коллекция икон и майолики. С удовольствием прошлись по залам голландского, фламандского и итальянского искусства эпохи Ренессанса. Привлёк внимание зал гипсовых статуй. «Мы в восхищении» —  так и хотелось повторять слова одного известного персонажа М.А.Булгакова, глядя на всю эту красоту.  

Париж. Часть 2. Музей Орсе

Здание, в которое мы вошли после удивительного музыкального представления на улице, казалось несколько странным для музея. И не случайно, оказывается первоначально это был железнодорожный вокзал, открытый в 1900 году, после чего жители юго-западных районов Франции могли попасть в столицу, прибыв именно на этот вокзал. С расширением железнодорожной сети число пассажиров здесь постепенно уменьшалось и в 1977 году власти города решили превратить вокзал в музей. Спустя девять лет был открыт музей Орсе, просторный и красивый с множеством известных картин, скульптур, элементов интерьера, декоративных экспонатов, фотографий и многого другого периода с 1884 по 1914 годы.

Здесь есть залы, посвящённые таким направлениям в живописи как импрессионизм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, Ар нуво, символизм, Наби, широко представлен французский академизм, реализм и т.д. Впервые я увидела здесь картины любимого Вильяма Бугро, серию картин «Руанский собор» Моне, скульптуры Родена, тот самый «Завтрак на траве» Мане, абсолютно скандальную картину «Происхождение мира» Гюстава Курбе, Ван Гога с Гогеном, забавные карикатурные скульптурки Домье, драматическую Голгофу Жерома, белого кота Бонара и много-много других работ, о которых я узнала больше двадцати лет назад ещё в стенах художественной школы. Музей поражает своим пространством, атмосферой, где время течёт незаметно. И, конечно, сюда хочется возвращаться снова и снова.    

Париж. Часть 1. Лувр

Наше путешествие по Парижу началось с его жемчужины – удивительного, безграничного, богатейшего Лувра.

История Лувра начинается за долго до того, как эта картина появилась в нём. И не всегда он выглядел так, как сегодня. Кстати, та самая стеклянная пирамида, современный вход, появилась в 1989 году по задумке архитектора И. М. Пея. Первоначально Лувр возник как средневековая защитная крепость примерно в 1200 году при короле Филиппе-Августе. Место постройки носило название «Лупара», которое позднее превратилось в Лувр. Сегодня можно увидеть развалины той самой крепости в подвальном помещении музея. Через 150 лет при короле Карле Пятом крепость будет перестроена и превратится в резиденцию правителей. С тех пор пройдёт много времени, сооружение будет многократно перестраиваться и музеем оно станет лишь в конце 18 века в период французской революции.

Сказать, что Лувр – большой, значит не сказать ничего, он гигантский с богатейшими коллекциями разных культур разных периодов. Здесь можно проследить последовательное развитие первых цивилизаций – шумеров, ассирийцев, вавилонян, персов. Собрание из Египетской цивилизации поражает воображение, и честно говоря, тяжела для восприятия: подготовка к жизни в ином мире чувствуется в каждом предмете, не говоря уже о самих саркофагах, ритуальных принадлежностях. Древнегреческая культура, от кикладского архипелага до эпохи высокого эллинизма, притягивает смесью мягкости, чистоты линий и энергией. Статуя Венеры Милосской, которая считается шедевром античного искусства и идеалом женской красоты, заставляет любоваться своими пропорциями, полными движения линиями тела и безмятежным выражением лица. Коллекции древнеримской культуры, этрусков, представлены многими статуями, статуэтками, предметами мебели, украшениями, фресками, мозаиками и т.д. Отдельные залы с французской скульптурой, впитавшей в себя различные, нередко противоборствующие направления, такие как классицизм, реализм, маньеризм, барокко, очень богато представлены в Лувре. От всего этого великолепия кружится голова, да и надетая маска способствует этому, а впереди ещё бесконечные залы с итальянской, испанской, голландской и, конечно, французской живописью. Изобилие цвета, композиций, размеров – неподготовленному зрителю, совершенно точно, будет сложно охватить вниманием всё это богатство.

Наш поход длился больше 5 часов и лишь закрытие музея прервало его. Во многих залах есть удобные банкетки и диванчики, где можно перевести дух и на некоторое время сбежать от этого калейдоскопа изображений. Ах, да, Джоконда, она же Мона Лиза, бессмертное произведение Леонардо Да Винчи до сих пор является самой привлекательной картиной и визитной карточкой Лувра. Чтобы ею полюбоваться совсем не нужно стоять в очереди, а можно подойти сбоку и увидеть загадочную улыбку и поймать на себе скромный взгляд (кстати, с любой точки обозрения), который волнует уже многие поколения зрителей.

Рисовать много, рисовать часто, рисовать каждый день!

Часто слышу вопрос от своих учеников: «А что мне нужно сделать, чтобы выработать свой собственный стиль?». Ответ — простой и надоедливый, потому что правдивый – «Нужно много рисовать!». И только так художник может себя раскрыть и быть узнаваемым для зрителя. В какой-то мере это сравнимо с подчерком – чем больше мы пишем, тем увереннее наша рука и тем более индивидуальным становится наше письмо. А для этого нужна практика – куча исписанных тетрадей. Этот путь самый натуральный и безболезненный для психики, потому как человек постепенно открывает свою истинную природу, не притягивая за уши чужих подходов и не ломая себя. В рисовании, как и во многом другом, нужно принять себя и двигаться в гармонии со своими способностями, постепенно развивая их в удивительном мире искусства. На всё нужно время и умение рисовать также требует ежедневного труда, уверенности в себе, любви к своему делу. Нужно рисовать во имя себя, ради эмоций, которые испытывает человек во время оставления линии на бумаге, ради ощущения полёта, которое рождается в этом простом действии. Жду вас в своей студии, где мы рисуем с удовольствием!

Патинировка и окраска гипсовой скульптуры под медь

Хорошо отлитый, только что вынутый из формы, не начавший ещё подсыхать гипсовый отливок кажется выполненным в каком-то живом, сочном, очень приятном на вид материале. Но лишь только оливок начинает подсыхать, на поверхности его появляются пятна, живость и ощущение материала пропадает и поверхность его становится сухой и какой-то безжизненной. Поэтому многие авторы прибегают к патинировке, да и счастливым обладателям в последствии гораздо приятнее иметь скульптурное произведение, имитирующее бронзу, медь, камень, кость и т.д.

Чтобы выполнить красиво и правдоподобно патинировку вам понадобится прежде всего изучить сам оригинальный материал и то, как он изменяется со временем. Есть разные методы по степени сложности с использованием разных материалов. Сегодня нас будет интересовать патинировка под «старую» медь несложным способом. На любой скульптуре выполненной из этого материала со временем образуются красивые окислы зелёно-голубогоцвета. При естественном натирании на выступающих частях появляется первоначальный красноватый медный блеск, а окислы остаются в углублениях не тронутыми. Причём окислы имеют матовую поверхность в отличие от полированного металла. Поэтому для создания базы мы используем красно-коричневую краску с добавлением золотого порошка, а для придания глянцевого эффекта на поверхность наносится жидкий воск. После полного высыхания наносим патину. Она может быть многослойной, сложной по оттенкам. Для приготовления краски лучше использовать пигмент в порошке. Для нанесения на глянцевую поверхность в краску необходимо добавить спирт. Кисть лучше использовать мягкую, чтобы избежать полос.

На рельефе изображён наш друг, очень хороший человек, талантливый музыкант и спортсмен. С днём рождения, Володя! Подарок уже у виновника торжества.

Прогулка по выставке Рафаэля. Спустя 500 лет после смерти великого мастера.

В ночь с 6 на 7 апреля 1520 г. Рафаэль умирает после недельной лихорадки. Весь Рим встревожен смертью великого художника. Папа Леон X сражён горем утраты. Страшная новость пронеслась по всем римским дворам, ведь умер не только известный художник, но и архитектор строительной комиссии Святого Петра, учёный-историк, от которого ожидали восстановления Рима времён императоров. Рафаэль был похоронен 7 апреля в Пантеоне, согласно его последней воле. Надгробием служит скульптура Мадонны с младенцем, выполненная скульптором Лоренцетти. Об этом Рафаэль попросил его ещё при жизни. Надпись под памятником гласит: “Здесь лежит Рафаэль. Когда он жил, природа боялась быть побеждённой, а теперь, с его смертью, боится умереть”

Письмо Папе Леону X, написанное Рафаэлем и Бальдассаром Кастильоне в 1519г., одно из немногих прямых свидетельств, раскрывает подробности графического проекта восстановления основных архитектурных памятников Древнего Рима. Так во втором зале выставки представлены главные участники письма: сам Рафаэль в позднем автопортрете вместе с другом, где взгляд художника устремлён к зрителю, Папа Медичи, известный покровитель и коллекционер, любуется ценной рукописной книгой и Вальдассар, великий поэт и близкий друг Рафаэля.

Встреча Рафаэля с классическим искусством стало решающей и проходит красной нитью на всех этапах в его творческом пути — от ранних работ в Урбино, затем во Флоренции и в конце в Риме.

Леон X, сын просвещённого мецената Лоренцо Великолепного, был глубоко образованным человеком, ценителем искусства, прекрасно понимал силу влияния изображения на человеческие умы. Во времена этого Папы Рафаэль был самым почитаемым и востребованным живописцем, окруженным многими коллегами и учениками. Работы художника расходятся по всей Италии и за её пределы.

В июне 1515 года Рафаэль получает большой заказ от Ватикана на десять эскизов для будущих гобеленов о жизни Петра и Павла. Полотна будут размещены на стенах Сикстинской капеллы.

Рафаэль был большим почитателем и ценителем женской красоты, что найдёт яркое отражение в его работах. Женские портреты кисти этого художника наполнены долгими размышлениями о идеале женской красоты, способной возобладать над любыми недостатками этого мира. Помимо известности в художественной среде Рафаэль был архитектором большого таланта. Он длительно изучал оставшееся наследие Древнего Рима, что позволило ему развить и обогатить профессиональный взгляд. Его эскизы и архитектурные чертежи, навеянные классическими структурами пантеона, найдут своё решение в Капелле Киджи в базилике Санта Мария дел Пополо. Древние мотивы читаются и на фасаде палаццо Бранкони в Аквиле — дорические колонны, ниши со статуями, рельефные головы, ленты придают явную пышность классическому архитектурному стилю. По заказу Джулиано Медичи Рафаэль создаёт также фасад здания, сегодня известного как вилла Мадама.

Одним из крупных заказчиков того времени был банкир Агостино Киджи, который попросил Рафаэля декорировать свою виллу т. н. Фарнезину на берегу Тибра.

Папа Джулио II без сомнения был самым крупным, амбициозным и влиятельным меценатом искусства того времени. Именно его сумбурный и порой противоречивый выбор определит новое направление в искусстве того времени, главным автором которого бесспорно станет Рафаэль.

Давайте рисовать

Ответ на этот вопрос сразу делит мир взрослых на тех, кто умело владеет карандашом, с лёгкостью рисует портреты и пейзажи и на тех, кто выводит скромные фигурки во время разговора по телефону. Более того, люди, которые относят себя ко второй группе, не испытывают удовольствие от собственных изображений и говорят, что нет способностей. А мнение других людей о качестве их рисунка часто мешает ощутить всю радость от рисования.

У детей, к счастью, пока нет стеснений за результат. Для ребенка живопись и рисунок — это самые яркие и простые инструменты для самовыражения. Через свои рисунки дети рассказывают, что они чувствуют, что нового они узнали, увидели.

Уже в два с половиной года ребёнок способен контролировать мелкую моторику и придавать определённую форму изображаемой линии. Дети испытывают удовольствие от того, что они создают, и в этом познают себя. Рисование повышает уверенность в собственных силах.

Поэтому для развития ребенку нужно рисовать, а задача родителей — принимать и хвалить. Это будет самым большим стимулом для рождения новых творений. Не стоит критиковать и поправлять. До 6-7 лет важно создать все условия, где ребёнок может свободно экспериментировать. Чувствовать густоту краски, пачкаться, быть внутри рисунка — вот верный ключ малыша к познанию себя, окружающего мира и мира творчества и фантазии. Конечно, краски, карандаши должны соответствовать возрасту, легко мыться, не быть токсичными.

Символы в рисунке

символы в рисунке, дом человек дерево, слон, человек

А вы когда-нибудь задумывались над вашими рисунками? Даже над самыми простыми, например, механического характера, которые получаются во время разговора по телефону, встречи, конференции и т. д.?

«Наше внутреннее состояние неразрывно связано с внешним его проявлением», скажет вам любой психолог. Всё, что мы делаем, имеет налёт настроения, и рисунок — не исключение. Любой рисунок связан с состоянием, в котором он выполнен, и выбор цвета и формы не случаен. Понять и разобрать изображение — значит увидеть переживания, тревоги, склонности. Через контур и цвет с нами говорит подсознание.

В основе многих теорий интерпретации рисунка лежат идеи, выдвинутые швейцарским психологом Карлом Густавом Юнгом. Он предавал огромное значение символам, через которые проявлялось человеческое бессознательное. Символы сопровождают человека на протяжении всей его жизни. Наше подсознание разговаривает с нами посредством символов, которые проявляются во снах и в рисунках. Наши ночные видения и творчество – всем этим управляет подсознание.

Впервые интерпретацией символов занялась одна из последовательниц Юнга Йоланде Якоби. В своей книге Vom Bilderich der Secle в 1969 она попыталась научить других распознавать «язык» подсознания. Другая последовательница Сьюзан Бах в своём труде Acta Psychosomatica Spontaneous Paintings of Severely III Patints продемонстрировала, что можно расшифровать не только рисунки, но и увидеть в них психосоматическую связь.

Итальянский в выражениях. Vedere è sapere. Occhi.

Узнаёте картины? На обеих из них перед нами сын Эндимиона и Селены, прекрасный юноша, погибший из-за собственной гордыни и самовлюблённости. Он настолько в себя влюбился, что не мог оторвать глаз от своего отражения.

В Древней Греции основным методом познания мира было наблюдение. Считалось, что в глазах собеседника можно было познать себя. Зеркала были запрещены, потому как считалось, что смотрящий замкнётся на себе. Так и произошло с героем картин («имя сестра, имя?»:-)

В итальянском языки есть множество выражений, где глаза символизируют знание и уверенность. Все эти фразы хорошо знакомы людям, владеющим русским языком. Например, “aprire gli occhi” — раскрыть глаза, т. е. узнать о происходящем, “non credere ai propri occhi” — не верить собственным глазам, или “avere qualcosa sott’occhio” — иметь под глазом, по-русски, конечно, перед глазами. Сократ сказал Клитону об этом так: «Я вижу, значит я уверен»

Non c’è da stupirsi che I filosofi greci siano partiti dal processo visivo per analizzare, più in generale, il processo della conoscenza e, in prima istanza, della conoscenza di sé. Infatti negli occhi dell’altro è possibile vedere se stessi.

Guardare significa allora conoscere gli altri: lo specchio era vietato agli uomini per il pericolo di chiudersi in se stessi (proprio come successe a Narciso) senza aprirsi al contatto con l’altro.

Infatti nelle lingue contemporanee si trovano tante testimonianze nei modi di dire, dove il nostro strumento visivo è un sinonimo del sapere. Per esempio, “aprire gli occhi”, cioè rendersi conto della realtà, o “non credere ai propri occhi”,significa è sorprendente perché quello che si vede e che si sa non coincide. Un altra bella espressione “avere qualcosa sott’occhio”, sarebbe in disposizione, perché come diceva Socrate allo scultore Clitone “lo vedo e ne sono sicuro”.

Один рисунок в день

Это не должно быть рутинным упражнением, а скорее хорошая привычка, метод восприятия мира, его изучение и представление.

Входной билет в новое творческое пространство — это небольшой блокнот и карандаш, которые будут всегда с вами, и каждый раз, когда будет появляться желание рисовать, когда что-то удивительное будет поражать вас — не проходите мимо, рисуйте!

Не важно, что в начале, рисунок не совсем будет соответствовать ожиданиям, возможно, не будет похож на натуру или не будет выражать точно задуманное: рано или поздно всё получится.

У Пикассо была близкая подруга Гертруда Стайн, и однажды он нарисовал её портрет. По окончании модель была изумлена от увиденного, и выразила негодование об отсутствии сходства. На что художник ответил, что через несколько лет она обязательно станет похожа на портрет. Конечно, в зрелом периоде развития творчества Пикассо, едва ли Стайн могла претендовать на реалистичный портрет, отвергая тем самым стиль, индивидуальность и самобытность художника. Он же, чтобы так свободно ответить, работал всю свою жизнь, посвящая каждый день оттачиванию мастерства, делая рисунки с натуры, а затем и свободные интерпретации согласно сформировавшемуся богатому опыту.

Portrait de Gertrude Stein, Нью-Йорк, Музей искусства Метрополитен

Как вы думаете, почему рисунок должен выполняться с натуры? Очень просто, потому что готовит вас:

  • видеть предмет, внимательно наблюдая его, порой вырывая из привычного контекста;
  • сознательно применять элементы рисунка, вовлекающие в новое пространство, такие как перспектива, пропорции, объём, цвет, глубина рисунка;
  • размышлять при выборе композиции, определении формы, светотеневых переходов, цвета;
  • обобщать карандашом или кистью то, что мы воспринимаем, как единое целое, учитывая, например, многоплановость композиции;
  • выражать линией или цветом свои чувства и впечатления, увиденный мир, преломлённый через призму собственного восприятия.

С удовольствием всех жду в своей студии рисунка, живописи и скульптуры.

←Older